EL PROGRESO

EL PROGRESO

Proyecto: PUNTO DE EMBARQUE, PANGAS DE PUERTO VALLARTA, 2012. Arte Público, Malecón de Puerto Vallarta. Ireri Topete PANGA - EL PROGRESO ? Xilografía, Transfer, Chine Collé, y Estencil / Madera de Ocume, Puerto Vallarta, 2012.

Del Tlayolli, a la Tlaxcalli y a comer Tlacopan. Libro de Artista.

de sol y de sal...: Del Tlayolli, a la Tlaxcalli y a comer Tlacopan. Libro de Artista.

Del Tlayolli, a la Tlaxcalli y a comer Tlacopan. Libro de Artista.

“Del Tlayoli a la Tlaxcalli, y a comer Tlacopan…” Libro de Artista - Instalación. Consta de 112 piezas en total de las cuales 94 piezas en forma de Tortilla (Tlaxcalli) de 18 cm. De diámetro y 11 piezas en forma de Taco (Tlacopan) de 18 cm. X 9 cm, realizadas en Técnica Mixta de Grabado y Dibujo Los soportes son papeles diversos como: Liberón, Amate, Gampi, Arroz, Algodón, Guarro Super Alfa, Kozo, y las piezas están intervenidas por sus dos lados. Se imprimió en el Taller de Artes Gráficas “La Raya” y dibujo en “Caracol” Arte - Estudio de Puerto Vallarta, Jalisco, México. Esta es una obra original de Ireri Topete, quien en colaboración del Impresor Sergio Gutiérrez, término de imprimir en Enero del 2011. La edición consta de un solo ejemplar. Este Proyecto forma parte de la ExposiciónTasting Cultures, The Art of Latino Food Ways, Latino Arts, Miwuakee,WI, EU. Permanecerá abierta del 4 de Marzo al 21 de Julio 2011. Registro de Imágenes ya terminadas, Francisco Juárez.

LIBRO ARTE ABIERTO

 LIBRO ARTE ABIERTO

TALLER DE PRODUCCIÓN LIBRO DE ARTISTA Una alternativa para la Gráfica TLAXCALA - TEBAC, PUEBLA - MUTEC

de sol y de sal...: TALLER DE PRODUCCIÓN LIBRO DE ARTISTA Una alternativa para la Gráfica TLAXCALA - TEBAC, PUEBLA - MUTEC

PUNTOS DE VISTA

de sol y de sal...: PUNTOS DE VISTA

PUNTOS DE VISTA

El paisaje como territorio de la memoria Exposición PUNTOS DE VISTA Nadie puede poner en duda que nuestro transcurrir en el mundo está sujeto a una realidad que nos fija y nos define. El espacio que habitamos, en donde somos y en donde transitamos, es ante todo un límite y a la vez una extensión. Sabemos esto de manera intuitiva, de hecho, casi no nos detenemos a pensar en ello. Nos movemos, nos trasladamos, interactuamos, abrimos espacios pequeños dentro de este espacio mayor al que normalmente llamamos territorio, país, ciudad, campo, o simplemente tierra. Incluso negamos nuestros espacios y nos llenamos de cercas, de fronteras, de bardas y de paredes, a veces a éstos les llamamos límites territoriales, colonias, casas, propiedad privada. Parcializamos nuestra realidad entre bordes físicos, lindes mentales e incluso divisiones emocionales. Sin embargo esta noción primaria sobre la vastedad del espacio percibido y experiencialmente vivido sigue siendo el último y verdadero margen entre lo externo y nuestros cuerpos en donde se encuentra el territorio de lo interno. Ahí, entretejido en esta mínima y frágil realidad liminal, surge el paisaje. La conceptualización del paisaje natural y urbano parte de una estructuración del espacio y de la realidad a partir de una percepción histórica y cultural. El sentido de nuestro entorno, la manera en que nos relacionamos con él, es parte no solo de un largo proceso bio-neuronal, ni a través exclusivamente de una adaptación bio-social. El paisaje es consecuencia también de una percepción “simbólica” en donde vamos significando nuestro espacio vacío y ocupado, natural o creado, propio o ajeno, en un tejido resignificado constantemente, a partir de nuestra vivencia individual y colectiva. Más allá de la simple acumulación de accidentes orográficos o hidrográficos, el paisaje descubre la historia del mundo y su transformación constante por la acción humana. En el paisaje están presentes las huellas de nuestra trascendencia y de nuestra intrascendencia. Desde las experiencias más antiguas el paisaje es parte de una lectura del mundo en donde nos ubicamos física, emocional y espiritualmente. En ese sentido el paisaje es un ordenamiento de lo externo, es una manera de interpretar lo que está más allá de nosotros. Mirar es hacer el paisaje. No hay paisaje por lo tanto sin la mirada que lo define, lo estructura y lo transforma. Antes de la mirada solo hay montañas, árboles, edificios, nubes, pero no hay paisaje. La reconstrucción del espacio percibido en una realidad interiorizada hace que aflore, en la reconstrucción del recuerdo y de su apropiación a través del arte visual, el paisaje memorizado y por lo tanto impregnado de nuestra propio ser. El artista no trabaja solo con la materia para generar materia, es decir no usa materiales y técnicas para representar “cosas”. Su búsqueda va más allá, el paisaje con el que nos devuelve su mirada es el paisaje asimilado. Es el reflejo del reflejo, es la “reflexión” del paisaje, que es movimiento y transformación constante. Nada es igual, las estaciones se suceden, el tiempo transcurre, el entorno cambia. Lo cambiamos. Nos cambia. El paisaje representado es ante todo el transcurrir de todos los paisajes percibidos. Esto lo saben bien cada uno de los integrantes de esta exposición, se saben peregrinos, habitantes de diversos paisajes, no solo por sus historias de vida que les ha llevado a trasladarse constantemente, a estar repartiendo su tiempo entre diversos lugares, sino por sus búsquedas conceptuales y su constante estar entre los márgenes de la mirada. Petru Voichescu evoca a través de sus monotipos la composición del paisaje a través de la sobreposición de la imagen, en donde se apropia de la estratificación del territorio, de manera que hay un transitar espacial y a la vez un recorrido que implica el sentido de la temporalidad que está implícito en la observación de una realidad efímera. El paisaje de hoy no es el mismo de ayer, la primavera vibra de manera diferente al otoño, la posición del observador con respecto a lo observado varía la percepción de las formas y los tamaños. La posición del sol determina las texturas y los colores. Los elementos son abstraídos de sus espacios para convertirse en sí mismos en paisaje imaginado. Su lenguaje artístico se ve modificado por la vivencia misma del estar en el paisaje, posteriormente de pensar el paisaje, para después devolvernos en la intervención del medio visual, la inclusión de su mirada. Zina Sirutis por su parte juega con la colografía y la transferencia de imágenes sobre soportes trasparentes, en una doble dimensión, en donde la imagen figurativa se traspone al paisaje sugerido, el acercamiento del detalle se hace evidente y se funde en un espacio dilatado al fondo, en donde lo invisible se manifiesta. Vasos comunicantes que nos permiten además, conformar nuestros propias interpretaciones a través de los recuerdos personales. Ireri Topete dialoga con diversos planos conceptuales, en la construcción de imágenes que se entretejen, se interrumpen y se integran a través del grabado, el dibujo a tinta y la transferencia. La reiteración y la variación conforman un discurso rico en significados contrapunteados. Retazos que al recomponerse en un soporte traslúcido y delicado, nos devuelve en metáforas visuales un solo paisaje construido de muchos otros. La añoranza de lo cercano, de lo habitual y cotidiano que no puede ser apresado del todo y que también tiene algo del otro paisaje, del que no es propio. Si la posición en el espacio nos da diferentes perspectivas del entorno, los puntos de vista nos proporcionan múltiples manera de ver. Transitar en este pequeño espacio físico en donde está contenida la presente exposición es un recorrido simbólico en donde las fronteras se abren y podemos gozar de la vista espectacular de los diversos paisajes que habitan en los vastos territorios de la creatividad artística. Mónica de la Cruz Hinojos Puerto Vallarta, Jalisco, 14 de marzo del 2012

TALLER DE PRODUCCIÓN LIBRO DE ARTISTA Una alternativa para la Gráfica TLAXCALA - TEBAC, PUEBLA - MUTEC

TALLER DE PRODUCCIÓN
LIBRO DE ARTISTA
Una alternativa para la Gráfica
TLAXCALA - TEBAC
PUEBLA - MUTEC >EL NUEVO ARTE DE HACER LIBROS
¿QUÉ ES UN LIBRO?
Un libro es una secuencia de espacios.
Cada uno de estos espacios es percibido en un momento diferente – un libro es también una secuencia de momentos.
Un libro no es una caja de palabras, ni una bolsa de palabras, ni un portador de palabras.

Ulises Carrión
Veracruzano, nacido en 1941 quien con un título de maestro y estudios varios en la UNAM de México, en la Soborne de París y en la Universidad de Leeds, Inglaterra (filosofía, literatura) se radicó en Ámsterdam, Holanda a partir de 1967 hasta su muerte en 1989. Su campo artístico era, sobre todo, la literatura. Así publicó cuentos breves, poesía, teatro y diversos ensayos en editoras tan prestigiosas como Joaquín Mortiz y Fondo de Cultura Económica. En Ámsterdam entra en contacto con el arte alternativo (o underground) y se pasa a la poesía visual, en especial la poesía concreta, a la fotocopia, al arte correo y al libro de artista.

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El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico. Es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación.

“No es fácil dar un concepto unívoco de libro de artista cuando hacemos referencia a un tipo específico de obras hechas por artistas en ediciones limitadas: "después de ver cientos y cientos de libros de artista he llegado a la conclusión de que lo de menos es la definición que se haga de esta especialidad que tiene la virtud de cumplir una de las máximas del arte total: la tendencia natural a integrar todas las artes a la búsqueda de un lenguaje universal que haga que el libro sea un objeto único, mágico y comprensible por cualquier lector de cualquier cultura y en cualquier lugar del mundo”.
Jaime Marata Laviña

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Es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación. En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos infinidad de obras, de todas las épocas y culturas que, aunque creadas con muy diferentes fines son precursoras del concepto actual de los libros de artista: huesos tallados, tablillas babilónicas, papiros egipcios, libros de oración tibetanos, libros de la cultura cristiana, etc.

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La historia del libro de artista tiene un doble origen, dependiendo a la vez del universo libresco y de la tradición ilustrada. El libro retiene, por una parte, lo que caracteriza al objeto, o sea la forma del Códice (el desarrollo lineal, espacial y temporal que implica), las calidades físicas y la anatomía, siendo el nombre de los componentes especialmente antropomórfico 1. Por otra parte, retiene también lo que define conceptualmente el libro: su vocación de apoyo informativo, de continente supeditado a un contenido.

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En la historia del arte, el libro de artista se inscribe en una larga tradición vinculada al embellecimiento de los volúmenes. La parte artística del libro se supeditó en primer lugar al texto, teniendo una función puramente decorativa en las coloraciones practicadas por los monjes de la Edad media. Las letras floridas y los bordes decorados tenían entonces por solo objetivo adornar el documento. Con el Renacimiento y más tarde en el siglo de las Luces, el libro dicho “de artista” adoptó una función ilustrativa. Fue el principio de la ilustración de arte en los libros, así como el de una larga colaboración entre estos dos medios, especialmente por lo que se refiere a los libros de carácter religioso, extendiéndose luego, al conjunto de los documentos, algunos siglos después.

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En consecuencia, el matrimonio del libro y del arte dio lugar a un nuevo género: el libro de artista. Los artistas visuales del siglo XX, como lo veremos pronto, utilizan a veces el libro como concepto, a veces como objeto formal, a menudo con un objetivo subversivo. Después de siglos de servidumbre, el arte en el libro aspira a servir de pensamiento plástico al artista- autor, rechazando las distintas funciones exteriores (decorativas, ilustrativas, documental…) que antes le impusieron. La creación de libro de artista se convierte en una práctica autónoma artística en sí, como lo es la pintura o la escultura.
*Las obras de Ruscha, inician el concepto actual del libro de artista, según la historiadora y estudiosa del género: Anne Moeglin-Delcroix (Esthétique du livre d’artiste. Bibliothèque Nationelle de France, París,1997). Se toma conciencia del libro como una entidad artística propia, creándose un nuevo género independiente, que será, por tanto, un género de arte contemporáneo.

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“[… ] el sentido del libro es el libro en su totalidad, no lo que contiene. En este caso solamente, el libro no tiene un sentido, el es su sentido; no tiene una forma, el es una forma. ” (Moeglin-Delcroix 1997, 10).
Anne Moeglin-Delcroix dedicó su tesis de doctorado a la problemática de los libros de artista, lo que dio lugar a una gran exposición en el Centro Georges-Pompidou en 1985 y a una publicación de envergadura de la Biblioteca nacional de Francia en 1997. Es también Maestra de conferencia (profesora titular) en la Universidad París – Sorbona y encargada de los libros de artista en el Gabinete de la Estampa de la Biblioteca nacional de París (Rousseaux 1991, 12).

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LIBROS ALTERNATIVOS
Dentro de este título genérico de libros "alternativos"; "los otros libros", "propositivos" , o "no libros", se encuentran inagotables posibilidades plásticas, con o sin texto, que pueden abordar temas: políticos, económicos, sociales, psicológicos, religiosos, eróticos y todos aquellos que la mente pueda recrear de acuerdo a la experiencia existencial del individuo con el universo que lo rodea. De este modo el libro alternativo como un medio de expresión, se presenta como una necesidad de los artistas por desarrollarlo como un soporte en función de heraldo, ya que el creciente avance tecnológico y las cuantiosas ediciones y producciones de libros tradicionales cada vez más baratos –y ahora piratas-, lo ha convertido en algo cotidiano, desmaterializando su valor estético. En una actividad espontánea de nivel global, los artistas recrearon los libros utilizando la misma tecnología desmaterializadora (mimeógrafo, offset, fotocopia, seros, computadora, entre otras), para transformarlos en obras de arte.
Dr. Daniel Manzano Águila

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Cuestionario realizado a Jim Lorena (librodeartista.info y ellibroysuslecturaspuntoazul.info ) para compartir sus comentarios en el taller de libros de artista que se impartió en el TEBAC, Tlaxcala, México, realizado por Ireri Topete en enero 2012.
IT: Actualmente cómo ve el panorama internacional en la producción de libros de Artista?
JL: El libro de artista está tomando amplitud en cuanto que se están creando nuevas ferias y la difusión del soporte se amplía. La producción que enfocamos a la venta, creo que es aleatoria, dependiendo de algunos coleccionistas y algunas bibliotecas que compran colecciones u obras independientes. Pero en general, pienso que es un soporte en expansión debido a su diversidad de comprensión, expresión y creación. Quizá el comprador de un libro de artista realizado con técnicas de estampación, sea un coleccionista de gráfica, el de un libro pictórico, el de pintura, el del libro escultórico el de escultura…Entre los coleccionista de libros bellos, están los que desean un libro de calidad convencional como libro y los que aman los libros creados con una manufactura más artesanal.
IT: Cuáles son los Proyectos o Ferias que están promoviendo el medio del libro de Artista a nivel internacional?
JL: Este es un calendario sobre libro de artista, hay mucho más, en regiones que solo tienen difusión en su territorio como ocurre en Francia por ejemplo. En España se van consolidando algunas ferias y naciendo otras. Hay proyectos con mucha difusión en internet y otros que hacen menos ruido, por decirlo de alguna manera.
http://www.bookarts.uwe.ac.uk/exhidata.htm
IT: De acuerdo a la expectativa que tiene cree que la red social libro de artista. ning y el sitio libro de artista.info, han tenido los logros que visualizo y cuál cree que sea la aportación de los mismos al medio del libro de artista?
JL: La difusión es el elemento principal de las redes, a través de la información y de la capacidad para generar y desarrollar proyectos nacionales e internacionales. Tanto la revista digital librodeartista.info en su momento, como la red librodeartista.ning.com, han servido para agrupar artistas con los mismos intereses, dando lugar a exposiciones y proyectos que van agrandando el o los horizontes de nuestro querido soporte.
El mayor logro es la difusión y la capacidad de general actividades en torno al Libro de artista a nivel internacional. Ello implica proyectos expositivos, cursos, talleres, producción editorial entre varios talleres, asistencia a ferias, etc.
IT: Desea comentar algo en especial sobre los proyectos de su autoría como México en la Mirada y El libro Azul y sus lecturas.
JL: Ellibroysuslecturas.azul con su convocatoria en la revista digital, nos hizo ver que había una gran inquietud en el ámbito de libro de artista. Muchos artistas internacionales participaron y la expectación que sentimos en ellos nos llevó a crear la red librodeartista.ning.com
Hoy podemos decir que fue un acierto. Una plataforma a través de la cual se han generado más proyectos como México en la mirada, convocado y dirigido desde la red, con coordinadores en la distancia, en Puerto Vallarta, Zacatecas y Tonalá. Un trabajo compartido entre España y México y dentro de México, entre varias ciudades. Una experiencia enriquecedora ya que en cada ciudad se ha adaptado a una organización, añadiendo como en Puerto Vallarta, talleres y charlas que se integraron a su vez en otro proyecto en red.
La evolución de proyectos en la distancia no ha cesado y continúa, con ideas nuevas que se van sumando y alimentando a los componentes de la red, a sus simpatizantes y amigos. Una red que forma redes y enrreda en la curiosidad y en la creación.
Cuáles son sus motivaciones para hacer libros de artista?
Como artista me he dedicado principalmente a la pintura y a la estampación. Mi experiencia profesional ha estado más tiempo ligada a la pintura, por mi trabajo en el pasado y por no tener siempre acceso a un tórculo. Pero desde siempre me acompañan cuadernos/libros que eran vitales para mí, sin ser consciente de que eran libros de artista. Eran creaciones artísticas en un formato libro, tanto occidental, como oriental que guardaban una unidad conceptual y compositiva entre sus partes.
La motivación actual es la creación. Para mí el libro de artista es una forma de expresión y de creación.